Stefan Scheurer

Mein Name ist Stefan Scheurer, geboren 1966 in Eppstein im Taunus und aufgewachsen in Niedernhausen, nahe Wiesbaden und Frankfurt. Nach meinem Studium zog es mich nach Baden-Württemberg, wo ich heute im Dreiländereck lebe und arbeite. Seit 2020 widme ich mich intensiver der Fotografie, ausgestattet mit meinem Smartphone und einer Systemkamera von Fuji.

Ich habe keinen speziellen fotografischen Schwerpunkt. Porträtfotografie, Natur- und Landschaftsaufnahmen, Street- und Architekturfotografie – all das fasziniert mich gleichermaßen. Zudem experimentiere ich mit speziellen Techniken wie Intentional Camera Movement (ICM) und Mehrfachbelichtungen, um meinen Fotos neben fotografischer Präzision auch einen malerischen oder künstlerischen Charakter zu verleihen. Bei mir gehen Fotografietechniken und Themen Hand in Hand – sie sind nahezu untrennbar miteinander verbunden. Jede Technik fließt unmittelbar in ein Thema ein, und mit großer Leidenschaft bearbeite ich beide gleichermaßen, weshalb ich sie als Passionen bezeichne.

Dabei lasse ich mich von meinem Motto „In Imago levitas“ leiten – in der Vorstellung liegt die Leichtigkeit. Natürlich ist Fotografie kein einfaches Handwerk und erfordert Erfahrung sowie Wissen, um schöne Bilder zu erschaffen. Doch für mich beginnt der Prozess eines gelungenen Fotos immer in der Vorstellungskraft – dort, wo Realität und Kreativität in Leichtigkeit miteinander „tanzen“. Diese Leichtigkeit in der Vorstellung lässt mich neue Ansätze finden, spielerisch experimentieren und meine Arbeit voller Freude weiterentwickeln. Aber auch interessiert es mich weniger, neue Dinge zu fotografieren – vielmehr reizt es mich, bekannte Dinge neu zu sehen und zu fotografieren, um darin stets neue Perspektiven und Möglichkeiten zu entdecken.

Neben dem Fotografieren begeistert mich auch die Analyse von Fotos und Gemälden, um deren tiefere Aussage und Bedeutung herauszuarbeiten.

Auf dieser Seite des Fotoclubs Dreisamtal präsentiere ich nun meine fotografischen Experimente, Erlebnisse und Entdeckungen. Begleitet mich auf meiner Reise durch die faszinierende Welt der Fotografie und lasst euch inspirieren …

Letzte Änderung siehe Texte und Bilder zu „Gestaltungselemente im Übergang von Ordnung zur Immersion“ …

… von meinen Sessions.

Gestaltungselemente im Übergang von Ordnung zur Immersion

In der Auseinandersetzung mit fotografischen Raumwirkungen wird deutlich, dass es Gestaltungsmittel gibt, die entweder strukturierend und ordnend wirken – oder den Betrachter immersiv in den Bildraum hineinziehen. Innerhalb dieses Spannungsfeldes zwischen Ordnung und Immersion lassen sich klassische kompositorische Elemente wie die Arabeske, die Drittelregel und die führende Linie in ihrem tieferen Wirkungszusammenhang deuten.

 

1. Die Arabeske als Ornament der Ordnung

Die Arabeske – verstanden als verschlungene, ornamentale Struktur – dient in der bildnerischen Gestaltung traditionell der Flächengliederung und erzeugt dekorative Ordnung. In der Fotografie erscheint sie oft in Form von architektonischen Elementen wie Gittermustern, Zierleisten, symmetrischen Fassaden oder naturhaften Strukturen wie Ästen oder Ranken.

Im Kontext fotografischer Raumgestaltung erfüllt die Arabeske eine klar ordnende Funktion: Sie strukturiert das Bild als Fläche und erhält ihre Wirkung unabhängig vom Standort des Betrachters. Ihre ästhetische Kraft liegt in der Wiederholung, nicht in der Beziehung zum Raum. Sie schafft Distanz, nicht Nähe. Damit gehört die Arabeske eindeutig zur Sphäre der bildnerischen Ordnung – sie macht das Bild lesbar, aber nicht betretbar.

 

2. Die Drittelregel als geometrische Kontaktzone

Die klassische Drittelregel – also die horizontale oder vertikale Teilung des Bildes in drei gleich große Zonen – kann hingegen als räumlich wirksames Mittel neu interpretiert werden. Insbesondere wenn der Horizont im oberen Drittel des Bildes platziert wird, entsteht unterhalb davon eine visuelle Fläche, die sich nicht mehr nur als Hintergrund präsentiert, sondern als Zone mit räumlicher Tiefe – als Boden, als Grund, als begehbare Fläche. Dieser Bildbereich kann vom Betrachter nicht nur betrachtet, sondern betreten werden – zumindest in der bildlichen Vorstellung. Der Horizont markiert in diesem Fall eine Schwelle zwischen Kulisse und eigener Position.

Auch die vertikale Drittelung – etwa durch Mauern, Bäume oder architektonische Kanten im linken oder rechten Bilddrittel – erzeugt einen ähnlichen Effekt. Diese seitlichen Begrenzungen rahmen den Bildraum und stellen eine räumliche Beziehung zwischen Betrachter und Szene her. Es entsteht eine Art Türrahmen-Effekt, eine Blicköffnung – oder eine visuelle Nische, aus der heraus gesehen wird. Damit eröffnet die Drittelregel Schwellenzonen für Immersion: nicht so unmittelbar wie die führende Linie, aber strukturell verankert und häufig unterschätzt.

 

3. Die führende Linie als starker Einstieg in die Immersion

Die führende Linie schließlich ist das kraftvollste Gestaltungsmittel im Übergang von Ordnung zur Immersion. Sie beginnt häufig im Vordergrund – an einer unteren oder seitlichen Bildkante – und zieht den Blick des Betrachters aktiv in die Szene hinein. Ob es sich um eine Straße, ein Geländer, einen Schattenverlauf oder eine Wegstruktur handelt: die Linie fungiert als visuelle Spur, die nicht nur lenkt, sondern verbindet.

In meinem Modell der Raumwahrnehmung ist die führende Linie kein bloßes Kompositionsmittel, sondern ein Beziehungselement: Sie überbrückt die Distanz zwischen mir als Fotograf bzw. dem Betrachter und der Szene. Sie macht aus dem Bild eine begehbare Struktur – nicht durch ihre Ordnung, sondern durch ihre Richtung. Anders als die Arabeske, die das Auge tanzen lässt, oder die Drittelregel, die Zonen aufspannt, ist die führende Linie ein Seil. Der Blick hält sich an ihr fest, tritt ein, folgt ihr. Damit markiert sie den eindeutigsten Übergang in die immersive Fotografie.

 

Fazit

Arabeske, Drittelregel und führende Linie sind nicht nur technische Kompositionsmittel, sondern Ausdruck unterschiedlicher Beziehungen zwischen Bild und Betrachter. Die Arabeske ordnet – sie schafft formale Struktur ohne Kontakt. Die Drittelregel öffnet Zonen – sie markiert Schwellen, an denen Immersion beginnen kann. Die führende Linie schließlich initiiert Bewegung – sie zieht den Betrachter hinein und macht das Bild begehbar.

Zusammen markieren diese Elemente den Weg von der ornamentalen Ordnung zur erfahrbaren Immersion – und schaffen damit ein fotografisches Raumverständnis, das sowohl gestaltend als auch erzählend wirksam ist.

Passion „Diffusion and Light“

Die Serie Diffusion and Light zeigt Fotografien, die mit einer abgewandelten Form des Intentional Camera Movement (ICM) entstanden sind. Besonders hervorzuheben ist, dass die Aufnahmen trotz der Bewegung (Movement) paradoxerweise sowohl präzise als auch verwischte Bildelemente enthalten. Diese Bildwirkung entsteht – entgegen naheliegender Vermutungen – nicht durch eine Mehrfachbelichtung, sondern innerhalb eines einzigen Belichtungsvorgangs.

Passion „Illuminationen“

Eine besondere Form der Lichtführung bildet die Serie „Illuminationen“, in der ich gezielt mit Transluzenz arbeite – also mit der Eigenschaft bestimmter Materialien, Licht teilweise hindurchzulassen. Fotografiert wird in völliger Dunkelheit. Blätter und Blüten von Rosen und Mohn werden dabei mit einer Taschenlampe (4.800 Lumen) von hinten so intensiv beleuchtet, dass das Licht durch ihre feinen Gewebestrukturen hindurchdringt.

Durch diese Technik treten nicht nur die äußeren Konturen hervor, sondern auch innere Strukturen werden sichtbar: feine Venengeflechte, Dichteschwankungen, Farbverläufe. Die Blüten erscheinen dadurch nicht als beleuchtete Objekte, sondern wirken, als würden sie von innen heraus leuchten – also illuminieren.

>>>Siehe auch den Artikel zu „Gegenlicht“

Passion „Unschärfen„

In meiner Fotografie sind Unschärfen zunehmend zu einem Ausdrucksmittel geworden, die ich gezielt einsetze, um Stimmungen zu erzeugen, Formen zu abstrahieren oder Bewegung sichtbar zu machen. Hier stelle ich sieben unterschiedliche Arten der Unschärfe vor, die ich bewusst einsetze:

1. Fokusunschärfen

1. Fokusunschärfe (Out of Focus)
   Das Hauptmotiv liegt bewusst außerhalb der Schärfeebene. Es verliert seine Details, gewinnt aber an Farbigkeit, Formgefühl und Stimmung – ein Bild wird zur Andeutung.
2. Bokeh (Bokeh-Shot)
   Eine große Blendenöffnung sorgt für einen weich aufgelösten Hintergrund. Lichtquellen erscheinen als sanfte Kreise. Diese Unschärfe erzeugt Tiefe, Nähe und eine fast meditative Wirkung.

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2. Unschärfen durch Langzeitbelichtung

3. Langzeitbelichtung und Bewegung (Motion Blur)
   Bewegte Elemente verwischen bei längerer Belichtungszeit. Menschen, Wasser oder Lichtspuren verschwimmen – Zeit wird sichtbar.
4. Mitzieher (Panning)
   Die Kamera folgt einem bewegten Objekt. Das Motiv bleibt vergleichsweise scharf, der Hintergrund verwischt. So entsteht Dynamik, Richtung und Tempo.
5. Brennweitenzieher (Zoomburst)
   Während der Belichtung wird gezoomt. Dadurch entstehen strahlenförmige Linien – ein Effekt mit Tunnelwirkung, der Blick und Energie ins Zentrum lenkt.
6. Kameragestik (ICM Intentional Camera Movement)
   Die Kamera wird während der Belichtung bewusst bewegt – etwa geschwenkt, gekreist oder gewippt. Das Bild löst sich auf, wird rhythmisch, fließend, malerisch.
   >>>Siehe auch die Artikel zu „ICM“, „ICM-Dementoren-Look“

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3. Unschärfen durch Mehrfachbelichtung

7. Mehrfachbelichtung (Multi Exposure)
   Mehrere Aufnahmen desselben Motivs werden in der Kamera übereinandergelegt. Kleine Verschiebungen erzeugen Unschärfen, Wiederholung oder Überlagerungen – das Bild wirkt wie eine Erinnerung oder Echo.
   >>>Siehe auch die Artikel zu „Ghosting“, „MultiExposure“, „X-Glazing“ oder auch „InstantMontagen“.

Passion „Ghosting„

Ghosting ist eine von mir bezeichnete, experimentelle Mehrfachbelichtungstechnik, bei der mittels des Blendmodus Dark (funktioniert auch mit anderen Blendmodes) gezielt unscharfe und scharfe Bildanteile in der Kamera kombiniert werden, um dem Motiv eine geisterhafte, dunkle Kontur oder Aura zu verleihen. Das Verfahren erzeugt visuelle Dopplungen, die wie Schattenrisse oder flüchtige Nachbilder wirken.

Passion „Framed Nature„

In meinen Fotografien wähle ich gezielt Motive aus der Natur – etwa Bäume, Blätter oder andere organische Formen – und komponiere sie so, dass sie innerhalb des Bildausschnitts eine klare und erkennbare Struktur beibehalten. Ergänzt wird das Bild durch einen farblich abgestimmten Rahmen, der sich an der dominierenden Farbe des Motivs orientiert und sich auf diese Weise mit dem Motiv verbindet.

So begrenzt dieser Rahmen die Natur durch eine klar gesetzte Geometrie – er schafft Ordnung, wo die Evolution zerfasert. Der Rahmen verschmilzt mit dem Motiv, während die rechteckige Form es scheinbar idealisiert abschließt. In einer möbiushaften Wendung mutiert das Motiv zum Rahmen, um sich am Ende selbst einzuverleiben.

Doch der Rahmen kann nicht nur begrenzend, sondern auch umhüllend wirken. In einer invertierten Lesart öffnet er sich für alle materielle und immaterielle Elemente – für Erde als das Feste und Formgebende, für Wasser als das Wandelbare, für Luft als das Bewegliche, für Feuer als Licht und Energie, und für den Äther als Quintessenz und fünftes Element – das Unsichtbare, das alles durchdringt.

Der Rahmen wirkt nun als Hülle oder Membran, nicht als Grenze. Er umfasst das Motiv, verdichtet die umgebenden stofflichen und atmosphärischen Elemente – und formt, was sich eigentlich nicht fassen lässt.

Passion „Anatomien“

Die Anatomie befasst sich im medizinischen Sinne mit dem Aufbau und der Struktur von Lebewesen. Übertragen auf Bilder beschreibt die „Anatomie von Bildern“ deren perspektivische Grundlagen, die auf mathematisch-geometrischen Prinzipien der Linearperspektive beruhen. Während die grundlegenden Konstruktionen meist noch anschaulich nachvollziehbar sind, wird das Verständnis mit zunehmender Komplexität anspruchsvoller.

Trotz ihres technischen Charakters besitzen diese Konstruktionen – so finde ich – eine eigene ästhetische Qualität. Mit zunehmender Einarbeitung in die Materie zeigt sich die Linearperspektive als besonders geeignet für die Analyse von Architektur- und Produktfotografien.

Nachfolgend habe ich Bilder zu verschiedenen perspektivischen Darstellungen mit einem, zwei oder drei Fluchtpunkten hochgeladen. Grundsätzlich ist es optimal, die Bilder unbeschnitten zu analysieren, da die Bildmitte wichtige Hinweise zum Standort des Fotografen liefert, die in die perspektivische Konstruktion einfließen. Aber auch die Analyse beschnittener Bilder ist möglich.

Falls jemand Interesse hat, darf er sich gerne bei mir melden unter „st.scheurer@gmail.com“ 😉

Passion „MultiExposure“

Die Techniken des Long-/Multi-Exposure, oft in Kombination mit dem Intentional Camera Movement (ICM), beeindrucken mich zutiefst. Durch das Überlagern mehrerer Bildebenen direkt in der Kamera entstehen Aufnahmen, die fast surreale Elemente enthalten und die Grenzen des Gewöhnlichen überschreiten.

Die sich vermischenden Farben, die unerwarteten Texturen und Formen, die durch die bewusste Bewegung der Kamera während der Langzeitbelichtung entstehen, bieten mir eine Vielzahl an Möglichkeiten zur Abstraktion. Diese Technik ermöglicht es mir, die Dynamik des Alltags einzufangen und Szenen zu kreieren, die sowohl visuell beeindruckend als auch emotional tiefgehend sind. Es ist diese Verschmelzung von Chaos und Kontrolle, die jede Aufnahme zu einem spannenden Experiment macht.

Diese Art der Fotografie ist eine besondere Ausdrucksform für mich und das Ergebnis meiner Hingabe an das Zusammenspiel von Licht, Bewegung und Perspektive.

Besonders spannend finde ich die Umsetzung dieser Techniken in der Nacht wie man an den folgenden Bildern hoffentlich sieht. Das Licht der Stadt bietet ein eindrucksvolles Ambiente für Experimente mit Bewegung und Licht. Die eingefangenen Lichtspuren der städtischen Lichter, erzeugen Dynamik und Energie, die in statischen Bildern nur schwer vermittelt werden kann.

Passion „Color Grading“

Color Grading ist für mich ein unverzichtbares Werkzeug in der Bildbearbeitung, das mir ermöglicht, wie im Kino Farbstimmungen zu verdeutlichen und den Look eines Bildes gezielt anzupassen, um Atmosphäre zu vermitteln. Dabei geht es nicht nur um die üblichen Anpassungen wie Weißabgleich, Belichtung oder Kontrast, sondern darüber hinaus, dem Bild mehr Ausdruckskraft zu verleihen. Ziel dieser Bearbeitung ist es, den Bildern eine visuell ansprechende, teils plakative Wirkung zu verleihen, ähnlich dem bekannten Velvia-Look von Fujifilm. Diese Form des Grading verstehe ich als eigene Stilrichtung.

Dazu nutze ich die Software Darktable, die eine Vielzahl mächtiger Werkzeuge (Module) bietet – darunter Farbkalibrierung, Farbbereichsanpassung, Farbbalance, Filmic, Look-Up-Tables und vieles mehr. Diese Module ermöglichen es mir, gezielt Farben zu verändern. Die Auswirkungen lassen sich direkt am Bild und im Vektorskop nachverfolgen.

Im Vordergrund steht für mich stets die Wahrung eines gewissen Realitätsbezugs – insbesondere bei Hauttönen. Eine unnatürliche Rötung (z. B. in Richtung Sonnenbrand) markiert für mich die Grenze der stilistischen Aufwertung.

Der Grad der Farbintensivierung wird dabei nicht nach einem festen Schema vorgenommen, sondern orientiert sich am Ziel der Bildwirkung. Während bei dokumentarischen Aufnahmen auf eine zurückhaltende oder gar keine Farbintensivierung geachtet wird, darf sie bei populären Präsentationen bewusst deutlich ausfallen.

Zu den nachfolgenden Bildern: Ausgehend von einem neutralen Bild mit natürlicher Beleuchtung kann ich durch gezielte Farbgebung verschiedene Atmosphären schaffen. Ein wärmeres Bild mit Betonung auf Gelb- und Orangetönen wirkt lebendig und einladend. Eine kühlere Farbpalette mit stärkeren Blau- und Grüntönen hingegen verleiht dem Bild eine mystische, beruhigende Note. Auch eine leichte Entsättigung in Kombination mit kühlen Tönen kann eine melancholische, nachdenkliche Stimmung erzeugen.

Diese Vielfalt an Möglichkeiten macht Color Grading für mich so faszinierend. Es ist wie das Malen mit Licht und Farbe, um das Bild so zu gestalten, wie es sich anfühlen soll. Beim Color Grading versuche ich mich klassischen Farbkonzepten anzunähern:

Analoges Farbschema:
Hierbei werden Farbübergänge erzeugt, mit Farben, die auf dem Farbkreis nebeneinander liegen. Dies schafft eine harmonische und beruhigende Atmosphäre, da die Farben ähnliche Töne und Sättigungen aufweisen.

Komplementäres Farbschema:
Dieses Schema nutzt Farben, die sich im Farbkreis direkt gegenüberstehen. Die resultierende hohe Kontrastierung sorgt für eine dynamische, bunte und damit lebendige Wirkung.

Dyadisches Farbschema:
Bei diesem Ansatz nutze ich zwei Farben, die im Farbkreis durch eine weitere Farbe getrennt sind. Es bietet einen Balanceakt zwischen Harmonie und Kontrast und eignet sich hervorragend, um subtile Spannung zu wecken.

Passion „Gegenlicht“

Gegenlichtfotografie zeichnet sich für mich dadurch aus, dass die Lichtquelle hinter dem Motiv positioniert ist und das Licht direkt in Richtung der Kamera strahlt. Dies führt dazu, dass das Motiv als Silhouette erscheint, da die Vorderseite im Schatten liegt und Details oder Texturen kaum oder nicht erkennbar sind. Der Kontrast zwischen dem dunklen Motiv und dem hellen Hintergrund ist eines der auffälligsten Merkmale. Das Licht selbst oder seine Streuung wird zu einem zentralen Bestandteil der Bildwirkung. Typischerweise wird Gegenlicht von mir eingesetzt, um Konturen und Umrisse hervorzuheben. Gegenlichtfotos haben eine größere Bandbreite im Tonwertbereich, da hauptsächlich helle als auch dunkle Bereiche vorkommen. Mittlere Tonwerte sind fast nicht vorhanden.

>>>Siehe auch den Artikel zu „Illuminationen“

Passion „High-/Low-Key“

Low-Key-Fotografie betont dunkle Tonwerte und arbeitet mit gezielter Lichtführung, um eine dramatische und geheimnisvolle Wirkung zu erzielen. Der Großteil des Bildes liegt im unteren Bereich des Tonwertspektrums, wodurch eine dunkle, reduzierte Atmosphäre entsteht. Im Unterschied zur Gegenlichtfotografie sind die mittleren Tonwerte in einem solchen Umfang vorhanden, dass Texturen und Details gerade noch erkennbar bleiben, was die Struktur und Form des Motivs unterstreicht. Die Low-Key-Fotografie zeichnet sich für mich vor allem durch ihre Lichtgestaltung aus und der Fokus liegt auf den weniger beleuchteten Bereichen. Im Gegensatz dazu nutzt die High-Key-Fotografie helle Beleuchtung und ein hohes Maß an Licht, um ein sanftes Bild mit minimalen Schatten zu schaffen, indem helle Töne dominieren und Kontraste sanft gehalten werden. Beide Techniken spielen bewusst mit Licht und Schatten, um emotionale oder ästhetische Wirkungen zu verstärken.

Nach meiner Überzeugung gibt es zwei Ansätze zur Erstellung von High-Key- aber auch Low-Key-Bildern:

1. Klassischer Ansatz: Hier werden überwiegend helle Objekte stark belichtet, wodurch sie noch heller wirken. Akzente entstehen vor allem durch minimale Schatten an der Grenze zur lichtabgewandten Seite der Objekte. Dieser Ansatz setzt auf die Materialstruktur und die Form der Objekte, um subtile Kontraste bzw. Akzente zu erzeugen.
2. High-Key mit Transparenzen: Dieser Ansatz nutzt transparente oder durchscheinende Materialien, wie z. B. Glas. Die Akzentuierung erfolgt aber eher nicht durch Schatten, sondern auch durch optische Effekte wie Lichtbrechung, Reflexionen und die Transmissivität des Materials. Die Akzente werden auch durch Objekte außerhalb der Szenerie ermöglicht, die durch die Lichtbrechung gerade an den Konturen der Objekte hauchdünn sichtbar werden.

Beide Methoden erzeugen den typischen hellen High-Key-Look, unterscheiden sich jedoch völlig in der Art und Weise, wie Kontraste und Akzente auftreten. Ein weiteres Merkmal ist, dass klassische High-Key-Aufnahmen auf weiches, diffuses Licht setzen, das meist von hinten oder seitlich kommt, um Schatten zu minimieren und eine gleichmäßige, helle Szene zu erzeugen. Bei transparenten Objekten hingegen erweist sich Gegenlicht, das durch die transparenten Materialien hindurchscheint, als geeignet.

… Text ist noch in Bearbeitung

Passion „Alignement“

Die von mir als Alignement-Methode bezeichnete fotografische Technik stellt eine alternative Möglichkeit dar, das Motiv in den Bildrahmen zu integrieren. Anstatt das Motiv nach traditionellen Proportionsregeln wie z. B. der Drittelregel und zumeist vertikal oder horizontal zu positionieren, orientiere ich die Kamera mittels der Alignement-Methode über den Bildrahmen oder dessen gedachten Linien der dynamischen Symmetrie gezielt am Motiv. So entsteht eine bewusste Verbindung zwischen Motiv und Rahmen, um eine klare und strukturierte Bildkomposition zu schaffen. Diese Art und Weise, die Kamera am Objekt auszurichten, ermöglicht eine andere geometrische Ordnung und visuelle Struktur für spezifische Darstellungen.

Wie bei den Object-Snapping-Techniken im CAD, die durch geometrische Kriterien präzise Verknüpfungen ermöglichen, bietet die Alignement-Methode eine alternative räumliche Anordnung. Prinzipien der Gestalttheorie wie das Gesetz der Nähe und das Gesetz der guten Fortsetzung wirken hier und parallele Linien – beispielsweise die Kontur des Objekts und der Bildrand – werden vom Auge als zusammengehörig wahrgenommen und das Motiv verbindet sich stärker mit dem Rahmen.

Ich setze die Alignement-Methode vorwiegend in der explorativen Fotografie ein, um neue Umgebungen kennenzulernen und mich zu orientieren – am liebsten nutze ich dafür mein Smartphone.

Passion „X-Glazing“

Diese von mir als „X-Glazing“ (Mehrfachverglasung) bezeichnete Fotografietechnik erzeugt durch Mehrfachbelichtung faszinierende Bilder, bei denen das gleiche Motiv in mehreren Schichten (Layern) dargestellt wird. Die Konturen und Bildebenen sind dabei leicht versetzt, ähnlich wie bei Spiegelungen von Objekten durch mehrfach verglastes Fenster.

Passion „ICM“

ICM steht für Intentional Camera Movement – also absichtliche Kamerabewegung, auch als gestische Fotografie bezeichnet. Dabei wird ein Motiv während einer gezielten Kamerabewegung mit langer Belichtungszeit aufgenommen.

Im ICM werden klassische fotografische Strukturen wie Linien, Formen, Konturen und Schärfenebenen bewusst aufgelöst. An ihre Stelle treten Farbe, Kontrast, Rhythmus und Bewegung als neue bildgestaltende Elemente. Das Bild wird dadurch nicht mehr vorrangig durch die ursprüngliche Szene definiert, sondern durch die Spur, die die Kamera hinterlässt – ähnlich wie beim Malen der Pinselstrich den Charakter eines Gemäldes bestimmt. Die Kamera wird zum Pinsel, die Belichtungszeit zur Strichlänge.

Durch Techniken wie die Mehrfachbelichtung lassen sich die kreativen Möglichkeiten des ICM nochmals deutlich erweitern.

Mit meinen ICM-Bildern möchte ich vor allem Stimmungen und Emotionen beim Betrachter wecken. Die hier gezeigten Arbeiten zeigen unterschiedliche Facetten dieses Ansatzes – insbesondere in den von mir entwickelten Stilen Dark-, Gothic- und Pop-ICM.

Auszug aus dem Vortrag vom 26.05.2025 …

Willkommen zu meinem Kurzvortrag über die ICM-Fotografie.

Die ICM-Fotografie – Intentional Camera Movement – ist eine außergewöhnliche und experimentelle Technik mit künstlerischem Anspruch. Im Vergleich zur klassischen Fotografie wird sie jedoch nicht so stark wahrgenommen. Umso mehr freut es mich, dass ihr heute so zahlreich erschienen seid, um euch auf dieses Thema einzulassen.

Ich selbst poste regelmäßig Bilderserien in meinem WhatsApp-Status – meist klassische Fotografien. Diese Serien werden fast durchgängig vom ersten bis zum letzten Bild angeschaut. Es kommt nur selten vor, dass jemand vorzeitig abspringt. Ganz anders ist es, wenn ich eine Serie mit ICM-Bildern poste: viele meiner Follower brechen bereits nach wenigen Bildern vorzeitig ab.

Das hat mich natürlich beschäftigt und mein erster Gedanke war, dass es an der Qualität meiner Bilder ganz bestimmt nicht liegen kann 😀. Vielmehr scheint es am fehlenden Realitätsbezug zu liegen. Je realistischer ein Bild ist, desto eher wird es akzeptiert – je abstrakter und künstlerischer, desto stärker polarisiert es.

Dieses Phänomen kennt man auch aus der Kunstwelt: Zeigt man Werke aus der Renaissance bis zum Impressionismus (z. B. Monets Garten / Freiburg), strömen die Besucher. Präsentiert man dagegen Kunst der Klassischen Moderne – etwa von Dadaisten, Futuristen oder Neosurrealisten – bleiben viele fern.

Ich war kürzlich im Zentrum Paul-Klee in Bern und bin dort auf ein Zitat gestoßen, das mich nachhaltig beeindruckt hat:

„Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.“ – Paul Klee

Ein Satz, der für mich den Kern künstlerischen Schaffens trifft. Es geht darum, Dinge sichtbar zu machen, die uns im Alltag und im „alltäglichen Wahnsinn“ verborgen bleiben.

Und genau das ist auch mein Anspruch an die ICM-Fotografie: Sie soll uns die Dinge zeigen, die bei der klassischen Fotografie weitgehend verborgen bleiben und uns eine neue Wahrnehmungsebene erschließen … [Einleitung – Ende]

Passion „ICM-Dementoren-Look“

Diese spezielle ICM-Technik, die mit einer rotierenden Gestik arbeitet, erzeugt in Verbindung mit Schatten einzigartige Verzerrungen, die sich deutlich vom üblichen ICM-Bild unterscheiden. Da die Rotationsgeschwindigkeit im Zentrum der Bewegung null beträgt und zu den Bildrändern hin zunimmt, führt dies dazu, dass ursprünglich scharf abgegrenzte Schlagschatten in weiche, von der ursprünglichen Gestalt abweichende und tonal abgestufte Formen überführt werden. Künstlerisch betrachtet verschmelzen auch hier Form, Bewegung und Licht zu einer neuen visuellen Realität, deren optisches Zentrum durch die rotierenden und wirbelnden Muster besonders hervorgehoben wird. Für spannende Träume, die Bilder einfach ausdrucken und im Schlafzimmer verteilen ;-))

Passion „Fluide Skulpturen und Formen“

„Fluide Skulpturen und Formen“ steht für die Fotografie von Wasser und anderen Fluiden, um die vielfältigen Strömungsformen darzustellen, die entweder durch Trägheitskräfte oder, wie bei Tropfenbildern, durch Oberflächenspannungen bestimmt werden. Eine Besonderheit dieser Fotografie sind die teils ultrakurzen Verschlusszeiten, die es ermöglichen, die feinen Strukturen und Details der Bewegungen klarer sichtbar zu machen.

Neuerdings favorisiere ich aber eine Technik, die Langzeitbelichtung in Kombination mit einem Blitzgerät nutzt, um Bewegungen von Objekten einzufrieren. Diese stroboskopische Fotografietechnik ermöglicht es, unglaublich detaillierte Momentaufnahmen zu erfassen, wie beispielsweise die in fallenden Wassertropfen eingeschlossenen Luftbläschen, selbst aus einer Entfernung von mindestens 80 cm. Dabei variiert die Blitzdauer meines Godox Blitzes je nach Leistung von 1/300 Sekunde bei voller Leistung (1/1) bis zu 1/20.000 Sekunde bei minimaler Leistung (1/256), was mir eine gewisse Kontrolle über die Lichtverhältnisse erlaubt.

Passion „Architekturfotografie“

Mich fasziniert die Architekturfotografie, weil sie mir die Möglichkeit gibt, Gebäude, Bauwerke und Kunstwerke aus meiner eigenen Perspektive festzuhalten. Es geht mir nicht nur darum, ein Bauwerk abzubilden, sondern seine Ästhetik und Funktionalität auf meine Weise sichtbar zu machen. Proportionen, Linienführung und Licht helfen mir, Designelemente hervorzuheben und die Struktur eines Gebäudes ins richtige Licht zu rücken. Besonders spannend finde ich die Arbeit mit Perspektiven, da sie die Wahrnehmung eines Gebäudes verändern und seine Wirkung verstärken können.

Passion „Landschaftsfotografie“

Landschaftsfotografie begeistert mich, weil sie mich zwingt, innezuhalten und den Moment bewusst wahrzunehmen. Die Weite, die Farben und das Zusammenspiel von Licht und Schatten. Für mich geht es dabei nur darum, die Schönheit der Natur festzuhalten. Jeder Ort, den ich fotografiere, wird so zu einer persönlichen Verbindung zwischen mir und der Landschaft – ein stiller Dialog, den ich mit meiner Kamera einfange.

Passion „Schwarz-Weiß-Fotografie

Die Schwarz-Weiß-Fotografie faszinierend mich außerordentlich, weil sie eine bewusste Reduktion auf das Wesentliche ermöglicht. Ohne die Ablenkung durch Farben konzentriert sich der Blick auf Formen, Kontraste, Strukturen und das Spiel von Licht und Schatten. Das macht die Bilder klarer und präziser, sie wirken direkter und bringen die Essenz der Szene stärker zur Geltung. Für mich hat Schwarz-Weiß etwas Zeitloses und transportieren die Motive in die Vergangenheit.

Durch den Verzicht auf Farbe werden das Licht und Schatten zu den zentralen Gestaltungsmitteln und das Zusammenspiel wirkt für mich oft spannender als bei Farbfotografien.

In einer Welt, die von bunten, digitalen Bildern überflutet ist, empfinde ich Schwarz-Weiß-Fotografie als einen Gegenpol. Sie entschleunigt, lenkt den Fokus auf das Wesentliche und vermittelt eine zeitlose Ruhe. Für mich ist das eine Art Rückkehr zu den Ursprüngen der Fotografie, die mich inspiriert und immer wieder aufs Neue begeistert.

Passion „Instantmontagen“

Mit „Instantmontagen“ bezeichne ich Bilder, die durch Mehrfachbelichtung und den gezielten Einsatz spezieller Blending-Techniken direkt in der Kamera entstehen. Die Bildbearbeitung spielt dabei keine wesentliche Rolle.

Passion „Daywalker“

„Daywalker“ bezeichnet die Technik, bei der Bilder mit Unterstützung eines Aufhellblitzes bei Tageslicht erstellt werden. Ich stehe hier noch am Anfang und experimentiere mit den Möglichkeiten dieser Methode.

Passion „Menschen“

Eine meiner Leidenschaften ist es, Menschen zu fotografieren. Für mich sind es die besonderen Momente, wenn Personen vollkommen in ihre Tätigkeit vertieft sind. Ihre natürliche Haltung und Gestik erzählen dann Geschichten, die oft mehr ausdrücken als Worte. Es ist faszinierend, wie dabei ihre Freude, Offenheit und Individualität in den Vordergrund treten und den Betrachter in ihren Bann ziehen. Solche authentischen Momente einzufangen sind eine wahre Freude.

Passion „Pflanzen“

… Text ist noch in Bearbeitung

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